musik barat - candid gaming news

Musik Rakyat Eropa Dan Aksi | Never The Same – Para pekerja pertanian bernyanyi dan berteriak bersama, sebuah lagu tentang elang abu-abu besar: “zapevala soko tica siva!” Sabit mereka menyapu jerami tepat pada waktunya, dan langkah mereka tetap seirama. Meskipun tiga generasi hadir pada Perayaan Panen tahun ini, Musik Rakyat Eropa tidak ada yang ingat dari mana asal lagu lama yang akrab ini, dan tidak ada yang bertanya. Orang-orang tua di kota Serbia ini tidak ingat belajar musik.

Dalam bukunya “Music: A Means of Performing and Listening”, Christopher Small menyatakan bahwa “musik tidak ada”, “Musik bukanlah sesuatu, tetapi suatu aktivitas, sesuatu yang dilakukan orang. “Sesuatu” adalah kata kuncinya di sini: musik ada, tetapi hanya pada saat-saat ketika kita memainkan, mendengarkan, dan mengalaminya, hanya di tempat dan pertemuan yang kita setujui bahwa musik dapat dan harus terjadi. Musik, meskipun musik tertulis, bukanlah objek, itu adalah proses yang tidak pernah terlihat sama dan tergantung pada konteks di mana ia dilakukan. Lagu-lagu yang dinyanyikan oleh sekelompok pekerja ditentukan oleh komposisi dan tempo: tentu saja, masih bisa diperdebatkan apakah banyak dari Harvest dan Googler akan mengenali lagu mereka dalam rekaman atau skor tertulis. Lagi pula, dalam kata-kata kolektor musik rakyat abad ke-19, musik tertulis yang tidak diputar seperti “bunga kering dalam koleksi” indah tapi tak bernyawa dan tak bernyawa. Kita semua terlibat dalam pembuatan musik, berkali-kali, berkontribusi pada kebangkitan musik.

Daftar putar minggu ini didasarkan pada kategori yang tidak ditentukan, Musik Rakyat Eropa. Di sini Anda akan menemukan suara yang familiar dan asing dari seluruh Eropa, termasuk semua instrumen dan tradisi yang disebutkan dalam artikel terlampir: sitar Nordik, nyanyian Yoik Sami, Fujara dan banyak lagi. Musik Seattle Awal:

Musik Rakyat Eropa Tradisional Internasional

Beberapa orang mungkin melihat kurangnya teks tetap ini, bahwa musik ini berasal dari dan melalui tindakan pembuatannya, sebagai simbol dari apa yang kita sebut “musik pop”. Meskipun istilah ini familiar, cukup sulit untuk menentukan siapa orang-orang ini dan apa musik mereka sebenarnya. Dalam pencarian kami, kami dapat beralih ke Dewan Musik Rakyat Internasional, organisasi musik rakyat resmi, yang definisi musik rakyat pada tahun 1954 menempatkannya sebagai “hasil dari tradisi musik yang telah berkembang melalui proses transmisi lisan.” “Transformasi dan kreasi ulang musik adalah milik komunitas yang memberikan karakter kepada masyarakatnya”. IFMC kemudian berganti nama menjadi Dewan Musik Tradisional Internasional, yang dapat memberi kita petunjuk tentang bagaimana definisi musik rakyat diperdebatkan

Konsep Musik Rakyat Eropa

Untuk memberikan definisi istilah yang lebih bernuansa, Grove Music Online mengambil pandangan yang lebih kritis terhadap entri musik folk, yang mencerminkan beratnya dilema:

“Konsep ini telah didefinisikan dan dikembangkan dalam berbagai cara oleh kolektor, cendekiawan, dan profesional di lokasi geografis yang berbeda dan dalam periode sejarah yang berbeda. Banyak digunakan di Eropa dan Amerika Serikat, digunakan secara diam-diam dan terbuka untuk membangun dan menyangkal hubungan dengan identitas. terkait dengan kelas, negara bagian atau ras, dan terus menjadi sumber kontroversi dan perdebatan sengit, berakar pada pertanyaan tentang identitas dan identitas ‘rakyat’, definisi perangkat musik, cara repertoar disebarluaskan, dan evaluasi suara

Meskipun definisi kontekstual yang lebih panjang ini mungkin lebih akurat, definisi ini tidak memberi tahu kita seperti apa istilah umum dari misteri yang dikenal sebagai musik rakyat ini. Jadi, untuk mempersingkat percakapan, kita dapat beralih ke definisi singkat yang dipopulerkan oleh musisi musik folk Amerika pada 1960-an dan 1970-an: “Musik rakyat adalah apa yang dinyanyikan orang.”

Terlepas dari pertanyaan yang tersisa tentang siapa “orang” itu, para pelancong dan cendekiawan abad ke-18 dan 19 yang meletakkan dasar bagi koleksi musik rakyat kami yang luas sekarang tampaknya tahu siapa dan apa yang mereka cari. Sebuah romansa yang canggih dengan waktu dan uang yang cukup untuk menghabiskan beberapa bulan di negara bagian barat Swedia atau pegunungan di utara Hongaria, para calon pelancong ini mungkin menganggap diri mereka menyukai “musik rakyat” yang sesungguhnya. Melalui jurnal dan surat perjalanan, yang ditulis untuk orang kaya yang ingin menjelaskan secara rinci tentang interior dan kehidupan petani yang indah, konsep “desa” menjadi hidup: cerita rakyat, tarian rakyat.kesenian daerah, lagu daerah. Diciptakan oleh Johann Gottfried Herder pada akhir abad ke-18, istilah volkslied sering disebut-sebut sebagai asal mula dari kategori ini, sebuah istilah yang didefinisikan sebagai “komposisi komunal” dan “sebuah ‘martabat’ estetika

Varian Musik Rakyat Eropa Tradisional Internasional

Mengingat idealisasi musik petani ini, tidak mengherankan jika pelancong kelas atas sering menulis dengan sangat antusias tentang pertemuan musik mereka. Misalnya, ada kisah Baron Karl Ehrbert dari Salzburg, yang mendapati dirinya terjebak di sebuah pondok kayu bersama seorang gembala dan istrinya pada hari hujan pada tahun 1784. “Akan sangat menyedihkan menghabiskan malam di perusahaan seperti itu.. .” tulisnya, “jika gembala yang terhormat tidak membuang waktu untuk memamerkan bakat musiknya. Dia membisikkan Allemande pada harpa yahudinya, memainkan minuet cantik atau lagu daerah dengan biolanya, atau memainkan kekasih yang hebat menyanyikan lagu yang memilukan. Namun, turis serupa lainnya hampir tersinggung dengan apa yang mereka dengar, seperti komposer Italia Giuseppe Acerbi. Saat bepergian dengan pemandu Swedia untuk mempelajari Saami dan Finlandia pada tahun 1798, Acerbi “berkali-kali mencoba, menggunakan koin dan roh, untuk membujuk herdelapparna [rusa menggembala Lapps] untuk menafsirkan melodi mereka”. Namun, yang bisa dia lakukan hanyalah “membuat mereka berteriak dengan mengerikan”. Menemukan musik yang jauh dari perkotaan, musik melek huruf dari ruang konser di mana ia menjadi bagian, Acerbi menyimpulkan bahwa pedesaan Finlandia seharusnya “tidak memiliki rasa harmoni” dan bahwa “musik serius” harus “benar-benar dibuang. musik”. daerah terkutuk dan terisolasi”

Meskipun bukan penggemar tradisi menyanyi country Finlandia, Acerbi mungkin sama antusiasnya dengan Baron Eherbert dalam hal musik folk yang lebih instrumental, sering kali lebih dekat dengan konsep urban tentang musik country. Ambil, misalnya, tradisi musik di sekitar langspil Islandia atau rekan-rekan Nordik terkait seperti langeleik Norwegia dan hummel Swedia. Menjadi instrumen string bengkok, yang disebut harpa drone, dapat mengingatkan petualang Italia kami biola dan biola dari negara asal mereka. Saat memainkan nada panjang pada dua senar drone, musisi live memainkan melodi pada senar khusus untuk tujuan ini, menghasilkan harmoni biola yang mungkin terdengar diatonis bagi setiap pelancong Eropa Tengah. Langspil juga dapat dikutip, menghasilkan suara yang tidak berbeda dengan kebanyakan instrumen mengutip yang ditemukan di seluruh Eropa. Instrumen lain dari keluarga ini, khususnya langeleic, dengan tujuh fretnya yang membentuk tangga nada mayor diatonis, mungkin telah memenangkan kekaguman penuh hormat dari Acerbi. Namun, bahkan dalam rentang musik yang lebih luas ini, outlier seperti nykelharpa Swedia, kerabat dari hurdy-gurdy yang menggunakan kunci mekanis untuk mengubah nada senar, mungkin telah membuat Acerbi berhenti.

Tetapi jika Dewan Musik Pop Internasional yang malang membiarkan proses tersebut tidak tersentuh, mengklaim bahwa “menciptakan kembali dan menciptakan kembali musik komunitas memberikan karakter masyarakatnya,” musik rakyat dapat terus berjalan. Fenomena musik baru ini muncul sebagai ekspresi musik rakyat dan berkembang pesat di masyarakat perkotaan dan pedesaan, yang mengarah ke genre baru yang disebut “folk”, yang berakar pada musik country tradisional tetapi telah beradaptasi dengan kafe dan panggung besar kota. Sementara tradisi berorientasi perubahan mungkin tampak paradoks, penerimaan tanpa henti mereka terhadap perubahan dan perubahan ini paling jelas mendefinisikan “musik rakyat” sebagai genre yang sangat tidak pasti. Anda dapat menyanyikan lagu yang sama dari tahun ke tahun, tetapi suara yang dihasilkan tidak diulang dua kali.

Ringkasan Sejarah Musik Klasik Barat Sejarah Abad Pertengahan – Sejarah musik klasik Barat secara tradisional dipahami sebagai permulaan dengan nyanyian biasa (juga disebut nyanyian “Gregorian”), praktik keagamaan vokal Gereja Katolik Roma. Plainchant ditransmisikan oleh ingatan sampai awal abad ke-9, ketika Kaisar Romawi Suci Charlemagne mengaturnya untuk dinotasikan, dan untuk buku-buku plainchant standar untuk didistribusikan ke gereja-gereja dan biara-biara di seluruh Eropa. Terbatas dalam jangkauan nada dan monofonik (yaitu, terdiri dari melodi tunggal tanpa iringan), plainchant dinyanyikan sebagian besar oleh biarawan, biarawati, dan pendeta daripada oleh penyanyi profesional. Plainchant dinyanyikan di Kantor Ilahi, delapan kebaktian doa harian menggunakan teks-teks Perjanjian Lama, dan dalam Misa, perayaan tengah hari kehidupan dan kematian Yesus Kristus. Alleluia yang direproduksi di sini adalah nyanyian sorak-sorai (“Alleluia” = “Haleluya”), dinyanyikan sebagai bagian dari Misa.

Perbendaharaan utama paling awal dari musik sekuler (non-religius) Barat yang telah sampai kepada kita adalah milik para troubador dan trouver, penyair-musisi Prancis Abad Pertengahan yang mengatur puisi mereka sendiri ke musik. Sebagian besar lagu yang dihasilkan adalah tentang cinta, sering kali merupakan “cinta sopan” fiksi yang diabstraksikan dari karakter pria untuk seorang wanita bangsawan di atas tingkat sosialnya. Karena lagu-lagu troubador dinotasikan sebagai deretan nada sederhana tanpa ritme, ritme dan iringan instrumental pertunjukan modern didasarkan pada dugaan; gambar troubador dalam manuskrip abad pertengahan telah menawarkan petunjuk tentang instrumen apa yang dimainkan. Bernart de Ventadorn (c. 1140-c. 1200) adalah salah satu troubador terbesar. “La douza votz” miliknya, yang ditulis dalam bahasa Provencal yang sekarang sudah punah, membahas tentang penolakan penyanyi itu oleh wanita yang telah lama ia layani.

Abad Ke-13 Musik Klasik Barat

Pada abad ke-13, bagian berirama organum yang ditambahkan kata-kata (seperti bagian di tengah organum Leonin di atas) mulai diperlakukan sebagai karya musik mandiri yang disebut motet (secara harfiah, “berkata”). Segera, tiga bagian motets muncul, dengan teks yang berbeda dinyanyikan di setiap suara. (Kadang-kadang teksnya dalam bahasa yang berbeda!) Komposer mulai digunakan untuk tenor lagu-lagu Prancis sekuler serta bagian-bagian dari plainchant. Salah satu komposer tersebut adalah Guillaume de Machaut (c. 1300-1377), yang tidak hanya seorang musisi yang sangat terkenal tetapi juga seorang penyair yang perawakannya mendekati Chaucer. Motet berikut didasarkan pada tenor sekuler; masing-masing dari tiga suaranya menyanyikan puisi cinta Prancis yang berbeda.

Sejarah Renaisans (Dufay Hingga Praetorius) Musik Klasik Barat

Tradisi motet berlanjut hingga abad ke-15. Guillaume Dufay (c. 1400-1474), komposer paling terkenal pada masanya, menggubah motet besar untuk acara-acara seremonial di awal Renaisans Italia. Nuper rosarum flores memperingati dedikasi katedral Santa Maria del Fiore di Florence pada tahun 1436. Dufay berutang suara yang kaya untuk teknik harmonik yang dibawa dari Inggris oleh John Dunstable sezamannya..

Karya musik vokal termegah dan paling dihargai Renaisans adalah pengaturan polifonik dari Ordinary of the Misa. Ordinary terdiri dari lima teks–Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, dan Agnus Dei (kata-kata pertama dari teks-teks itu)- -yang termasuk dalam setiap Misa, tidak hanya dalam Misa yang merayakan acara-acara khusus. Setiap teks ditetapkan sebagai gerakan terpisah. Seringkali, setiap gerakan dimulai dengan melodi yang sama, dalam hal ini Misa disebut “siklus”; ketika melodi itu diambil dari nyanyian biasa atau dari lagu sekuler, Misa disebut “Misa parodi” (“parodi” berarti tiruan, tetapi bukan untuk humor). Massa paling terkenal dari Josquin des Pres (1440-1521) adalah parodi nyanyian yang dimulai dengan teks “Pangue lingua.” Pada masa Josquin, tenor yang bergerak lambat dari era Abad Pertengahan telah digantikan oleh suara-suara yang lebih rendah yang bergerak secepat suara-suara yang lebih tinggi; rentang vokal yang ditentukan untuk berbagai penyanyi setara dengan sopran, alto, tenor, dan bass kami.

Musik instrumental Renaisans sebagian besar jatuh ke dalam dua kategori: transkripsi musik vokal, dan musik dansa. Gaya tarian yang berbeda berhubungan dengan ritme musik dasar yang berbeda (seperti musik dansa Latin saat ini). Michael Praetorius dari Jerman (1571?-1621) menyusun satu set besar tarian berjudul “Terpsichore,” setelah tarian Muse Yunani. Sekelompok “volt” singkat direproduksi di sini; volte adalah tarian dari Perancis Barat Daya di mana wanita itu melompat tinggi di udara (“volte” = lemari besi). Praetorius tidak memberikan indikasi instrumen apa yang akan digunakan – tariannya dimainkan oleh instrumen apa pun yang tersedia. Di sini, Permaisuri Musik Awal London beralih di antara empat “permaisuri” instrumen yang berbeda, satu per volt, sebelum keempat permaisuri memainkan ujung volt keempat bersama-sama. Permaisuri adalah seperangkat instrumen yang serupa dalam desain dan nada tetapi bervariasi dalam ukuran dan nada.

Sejarah Klasik (Gluck Melalui Beethoven) Musik Klasik Barat

Berkenaan dengan musik Barat, paruh kedua abad ke-18 sering disebut periode “Klasik”; musik periode ini dianggap sangat berbeda dari periode Barok. Namun transisi dari Barok ke Klasik terjadi secara bertahap. Tiga tren tahun-tahun pertengahan abad ke-18 berada di balik transisi ini.

Tren pertama dikenal sebagai Opera Reformasi. Sejumlah komposer bereaksi terhadap apa yang mereka lihat sebagai konvensi kaku opera Barok Italia. Mereka ingin membuat opera Italia lebih alami, lebih ekspresif secara langsung, dengan lebih fokus pada narasi dramatis dan kurang fokus pada memberikan penyanyi solo bagian-bagian ornamen yang rumit dan mencolok. Komposer yang paling sukses adalah Christoph Willibald Gluck (1714-1787). Topik opera Reformasi bukanlah hal baru: opera Gluck Orfeo ed Euridice menceritakan kembali legenda Orpheus, seperti halnya Orfeo terkenal di Monteverdi 150 tahun sebelumnya. Dalam aria “Che fiero momento,” Euridice menyanyikan kegelisahannya karena dibawa pergi oleh Orpheus dari ketenangan dunia bawah.

Tren kedua adalah perubahan gaya musik keyboard solo. Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), putra dari (sekarang) J.S. Bach, tidak menyukai harpsichord tetapi clavichord dan fortepiano, instrumen yang dapat dimainkan lebih keras atau lebih lembut tergantung pada kekuatan yang digunakan untuk menekan tuts. Musik keyboard Bach menggunakan variabilitas dinamis ini untuk menyesuaikan beberapa karakter musik vokal Italia abad ke-18. Gerakan lambat Bach, seperti yang direproduksi di sini, mencontohkan gaya empfindsam (“penuh perasaan”), yang diyakini mengekspresikan gairah yang tertahan dan melankolis.