Roots Reggae Music In Black History – Bulan Sejarah Hitam mendapat perhatian khusus di Jamaika bukan hanya karena warisan Afrika yang legendaris, tetapi karena Februari juga merupakan Bulan Roots Reggae Music. Inilah saatnya bagi warga Jamaika untuk merayakan kontribusi unik mereka pada musik dunia. Tentu saja, mereka memiliki lebih dari satu alasan untuk merayakannya.

Selama tahun-tahun awal pasca-Kemerdekaan (yaitu, 1970-an), musik reggae “akar”—melalui hubungan eratnya dengan filosofi dan budaya Rastafari—memainkan peran utama dalam mengubah identitas nasional Jamaika dari salah satu pos Inggris Anglofilik. -koloni ke negara Hitam “sadar” dengan warisan Afrika yang bangga. Akar perhubungan Rastafari-reggae menelusuri kembali ke dekade awal abad kedua puluh. Selama tahun 1920-an, Marcus Garvey—juara Pan-Afrikanisme kelahiran Jamaika—memobilisasi jutaan orang kulit hitam di Harlem dan di seluruh Diaspora dengan visinya tentang peningkatan rasial dan kembalinya ke Afrika. Dia mendorong para pengikutnya untuk “Lihatlah ke Afrika di mana seorang raja Hitam akan dimahkotai, karena hari pembebasan sudah dekat.”

Di Jamaika, pengikut Garvey mengingat hal ini ketika bangsawan muda Etiopia, Ras Tafari Makonnen, dinobatkan di Addis Ababa, Etiopia, sebagai Yang Mulia Kaisar Haile Selassie I, Raja di segala Raja, Tuan di segala Tuan, Singa Penakluk dari Suku Yehuda . Para pengkhotbah Rastafari pertama mengambil nama pra-penobatan Kaisar sebagai milik mereka—menunjuk pada gelar-gelar dalam Kitab Suci yang mengidentifikasi dia sebagai Kedatangan Kedua (lihat Wahyu 5:5; 19:16)—mereka memproklamirkan keilahiannya. Sebagai subjek yang sah, komunikan melihat diri mereka sebagai “pengasingan” di Babel modern yang penebusannya membutuhkan pengembangan kesadaran yang akan membebaskan orang kulit hitam dari “perbudakan mental” yang dipupuk oleh perbudakan dan pendidikan yang salah tentang Afrika dan rakyatnya.

Beberapa dekade kemudian, roots reggae music akar akan berfungsi sebagai media untuk membawa pesan itu dengan lagu-lagu pujian yang memuji keilahian Kaisar, mengingat perjuangan bersejarah orang-orang Jamaika, dan mengutuk ketidakadilan yang sedang berlangsung dan bentuk-bentuk ketidakadilan yang mempengaruhi tidak hanya orang kulit hitam, tetapi orang-orang di mana-mana. Sejak tahun 1970-an, reggae—dalam berbagai genre (misalnya, akar, rock kekasih, dub, dan dansa), telah menjangkau hampir setiap sudut dunia dari Kingston ke Cape Town dan dari Amsterdam ke Auckland. Di depan tren dunia itu adalah ikon planet Jamaika sendiri: Bob Marley.

Maka, tidak mengherankan jika reggae diakui oleh UNESCO dan ditambahkan ke daftar Warisan Budaya Takbenda Kemanusiaan pada tahun 2018. Berikut ini adalah pengenalan selektif tentang asal usul dan perkembangan akar reggae, gaya asli musik yang terkait dengan sebagian besar musiknya. artis dan produser legendaris.

Musik Populer Jamaika dan Roots Reggae Music

Sejak akhir 1960-an, reggae telah menjadi gaya musik populer utama di Jamaika. Asal-usulnya mencerminkan hibriditas budaya yang dikenal dengan Karibia. Akar roots reggae music menelusuri kembali ke akhir 1940-an dan 1950-an ketika industri rekaman Jamaika masih dalam masa pertumbuhan. Mento—musik berbasis pedesaan yang berkembang dari periode perbudakan dan yang kemudian dipengaruhi oleh kalipso Trinidad dalam konteks perkotaan Kingston, kemudian menjadi musik populer. Pada akhir tahun lima puluhan, gaya baru yang dikenal sebagai ska muncul di kancah urban.

Seperti yang dikatakan antropolog Ken Bilby, “Ska lahir ketika musisi urban Jamaika mulai memainkan ritme dan blues Amerika Utara, sebuah gaya yang telah menembus pulau itu melalui rekaman impor dan siaran radio dari Miami dan bagian lain dari Amerika Serikat bagian selatan.”

Selain pengaruh jazz, pola ritme musik spiritual Afro-Revival Jamaika digabungkan dengan ritme dan blues untuk melengkapi bentuk baru yang dikenal sebagai ska. Tempo musiknya energik dan optimis, sesuatu yang diambil sebagian besar pengamat untuk mencerminkan suasana nasional Jamaika menjelang Kemerdekaan.

Era ska diperhatikan karena beberapa alasan lain. Selama periode ini (1950-an hingga 1966) tarian sistem suara sedang berayun di perkotaan Kingston, dengan banyak musisi muda dipengaruhi oleh musik yang dimainkan. Selama periode ini, sistem suara—pada dasarnya speaker seluler dengan turntable dan amplifier—menjadi ruang hitam afiliasi nasional, yang signifikan sebagai satu-satunya tempat di mana pemuda Jamaika mulai melintasi batas kelas.
Seniman ska terkenal yang dipengaruhi oleh fenomena sistem suara akan menjadi seniman reggae: terutama, Wailers, Bob Marley, Peter Tosh dan Bunny Wailer, dan Toots and the Maytals. Itu juga selama era ska bahwa denyut jantung dari permainan drum keramat Rastafari, yang dikenal sebagai Nyahbinghi, memberikan pengaruhnya pada beberapa lagu ska, yang paling terkenal adalah “O’Carolina,” sebuah komposisi oleh Folkes Brothers dan drummer legendaris Rastafari Count Ozzie (alias Oswald Williams). Untuk pendengar Jamaika, penambahan “riddims” Rastafari ini adalah cara eksplisit untuk mengenali dan menghormati Afrika, elemen yang sering kurang dalam ritme dan blues Amerika. Tema Rastafari yang eksplisit juga mulai masuk, terutama melalui karya band the Skatalites dan trombonist utama mereka dalam lagu-lagu seperti “Tribute to Marcus Garvey” dan “Reincarnation.”

Pada 1966, ketika ekspektasi ekonomi seputar Kemerdekaan gagal terwujud, suasana negara berubah—begitu pula musik populer Jamaika. Sebuah musik baru namun berumur pendek, dijuluki rocksteady, dibawakan saat orang-orang Jamaika perkotaan mengalami pemogokan dan kekerasan yang meluas di ghetto. Simbolisme nama rocksteady, seperti yang dikatakan beberapa orang, tampaknya merupakan upaya estetika untuk membawa stabilitas dan harmoni pada tatanan sosial yang goyah. Kecepatan musik melambat dengan kurang penekanan pada tanduk dan instrumentalis dan lebih pada drum, bass, dan komentar sosial. Komentar tersebut mencerminkan peribahasa rakyat dan gambaran alkitabiah yang terkait dengan filosofi Rastafari, tetapi juga berisi referensi untuk “anak laki-laki kasar”—pemuda perkotaan militan yang dipersenjatai dengan “rachet” (pisau) dan senjata api, yang siap menggunakan kekerasan untuk menghadapi ketidakadilan sistem.

Tak perlu dikatakan, lagu-lagu topikal, pokok musik Karibia secara lebih umum, ada di rumah dalam komposisi ska dan rocksteady. Era ska-rocksteady dengan tepat diisi oleh dua lagu: seruan optimis “Maju Maret” Derek Morgan (1962) yang mengarah ke Kemerdekaan dan ratapan panik “Semuanya Crash” Ethiopia (1968) yang berbicara tentang pergolakan sosial dan ketidakpastian periode awal pasca-kemerdekaan.

Roots Reggae Music Revolution

roots reggae music memasuki panggung pada tahun 1968, mempertahankan struktur ritmik dasar dari gaya populer yang mendahuluinya. Ini termasuk sinkopasi snare drum dan hi-hat pulse dari ska, goyangan gitar dan bass yang saling mempengaruhi dari rocksteady, bersama dengan pengaruh mento dan tradisi drum Nyahbinghi yang terus berlanjut. Riddim reggae—dengan penekanan pada downbeat pada dua dan empat—berevolusi dari gaya khas “satu tetes” yang dikuasai oleh Carleton Barrett, drummer Bob Marley and the Wailers, menjadi “rocker”—irama yang paling identik dengan duo drum. dari Dunbar dan Robbie Shakespeare—menjadi “steppers”, evolusi lain dalam irama reggae.

Tapi itu adalah karakter topikal dari begitu banyak reggae yang meluncurkan revolusi musik. Ini adalah perhitungan yang terinspirasi oleh Rastafari reggae dengan masa lalu perbudakan Jamaika yang menindas (pikirkan “400 Tahun” Peter Tosh dan “Hari Perbudakan” Burning Spear), eksploitasi yang sedang berlangsung dari massa Hitam, dan ideologi elit dan kelas menengah yang berusaha untuk menekan kesadaran ras sebagai ciri khas bangsa.

Hit reggae awal klasik Desmond Dekker pada tahun 1968, “Israelites,” adalah salah satu lagu yang menandai perubahan dramatis untuk diikuti dalam musik populer Jamaika. Lagu tersebut secara tidak langsung merujuk orang kulit hitam sebagai orang Israel “sejati”, yang diperbudak di Babel modern dan merindukan pembebasan oleh Tuhan yang adil di Sion yang akan mendengar tangisan mereka. Perjuangan orang benar melawan sistem opresif “Babel” adalah pola umum Rastafari untuk reggae, musik yang menuntut agar suara penderitaan dan tertindas didengar. Tapi bukan Rastafari sendiri yang mengaktifkan template ini. Juga tidak dapat diterima begitu saja bahwa musik yang dipengaruhi Rasta akan berhasil karena permusuhan tradisional para elit politik dan kelas menengah terhadap Rastafari.

Seperti banyak hal lain yang telah mengubah jalannya sejarah Jamaika, kelahiran musik reggae akan membutuhkan katalis dari luar pantai pulau itu. Itu datang dalam bentuk kunjungan kenegaraan tiga hari Kaisar Ethiopia Haile Selassie I ke Jamaika pada April 1966.

Roots Reggae Music Dan Semangat Perlawanan Afrika

Banyak yang telah ditulis tentang hubungan antara reggae dan filosofi dan pandangan dunia Rastafari, tetapi satu aspek dari hubungan ini yang memerlukan catatan khusus adalah rasa waktu yang diproyeksikan dalam begitu banyak komposisi roots reggae music asli. Ahli musik Pamela O’Gorman, yang telah banyak menulis tentang musik Jamaika, telah mengamati bahwa lagu-lagu reggae tampaknya memiliki “…tidak ada awal, tengah, dan akhir. Ketukan yang kuat dari jebakan [drum], yang jarang berbeda dari satu lagu ke lagu lainnya, kurang merupakan pengantar daripada artikulasi aliran yang sepertinya tidak pernah berhenti. Ini bukan klimaks, tidak ada akhir. Musik hanya memudar ke dalam kontinum yang tampaknya merupakan bagian yang tak berujung.”

Bagi mereka yang telah mendengarkan roots reggae music akar cukup dekat, ada petunjuk tentang apa rasa waktu ini mewakili “cara berada di dunia” Rastafari. Peter Tosh, dalam lagunya “Mystic Man,” memberikan petunjuk ketika dia bernyanyi, “Saya seorang pria dari masa lalu, hidup di masa sekarang, melangkah di masa depan.” Garis tersebut mengacu pada lebih dari momen temporal langsung ketika Tosh berbicara tentang pemutusan dengan konsep waktu Barat yang berlaku dan keasyikannya dengan pengukuran dan pengaturan—sesuatu yang berfungsi sebagai landasan sistem perkebunan yang membuat orang Afrika tidak manusiawi dan mengurangi mereka menjadi unit habis pakai tenaga kerja Hitam. Mungkin Marley mempertajam pemahaman kita tentang counter-worldview yang dibawakan oleh ritme drum dan bass reggae di mana, di baris pembuka lagunya “One Drop”, dia dengan berani melantunkan, Pada tanggal 26 November 2019, pada penutupan upacara di Accra di mana lebih dari seratus orang Afrika-Amerika dan Afrika Karibia dinaturalisasi sebagai warga negara Ghana, Presiden Akufo-Addo mengakhiri pidatonya dengan dialog Tosh. Lagu kebangsaannya “Afrika” kemudian dimainkan saat warga terbaru Ghana bernyanyi dan menari sesuai dengan liriknya.

Semua ini baru mulai menggores permukaan sejarah dan jangkauan reggae. Seperti yang mereka katakan di Jamaika, ” Selamat Bersenang Senang”

Sejarah Musik Jazz | Dari Asal Mula Hingga Saat Ini

April 26, 2022

neinei

musik No Comments

Sejarah Musik Jazz | Dari Asal Mula Hingga Saat Ini – Jazz lahir di New Orleans. Sebagian besar cerita Sejarah musik jazz dimulai dengan frasa serupa, sebagai suatu peraturan, dengan klarifikasi wajib bahwa musik serupa berkembang di banyak kota di Amerika Selatan – Memphis, St. Louis, Dallas, Kansas City.

Asal muasal musik jazz – baik Afrika Amerika dan Eropa – sangat banyak dan panjang untuk disebutkan, tetapi dua pendahulu Afrika-Amerika utamanya tidak dapat diabaikan.

Kelahiran Jazz
Selanjutnya, musisi jazz Afrika-Amerika mentransfer gaya ini ke musik instrumental, dan alat musik tiup mulai meniru suara manusia, intonasi, dan bahkan artikulasinya. Dalam jazz, apa yang disebut suara “kotor” muncul. Setiap suara harus seolah-olah dibumbui. Seorang musisi jazz menciptakan musik tidak hanya dengan bantuan nada yang berbeda, mis. suara dari ketinggian yang berbeda, tetapi juga dengan bantuan nada suara yang berbeda dan bahkan suara.

Gaya Dan Aksi Musik Jazz

Scott Joplin tinggal di Missouri, blues diterbitkan pertama yang dikenal disebut “Dallas Blues”. Namun, gaya jazz pertama disebut “New Orleans Jazz”.

Cornetist Charles “Buddy” Bolden menggabungkan ragtime dan blues dengan bermain di telinga dan berimprovisasi, dan inovasinya memengaruhi banyak musisi New Orleans kemudian yang membawa musik baru ke seluruh negeri, terutama di Chicago, New York, Los Angeles: Joe “King Oliver, Bank Johnson, Jelly Roll Morton, Kid Ory dan, tentu saja, Raja Jazz Louis Armstrong. Inilah bagaimana jazz mengambil alih Amerika.

Namun, musik ini tidak segera menerima nama historisnya. Pada awalnya hanya disebut musik panas (hot), kemudian muncul kata jass dan baru kemudian jazz. Dan rekor jazz pertama direkam oleh kuintet pemain kulit putih Original Dixieland Jass Band pada tahun 1917.
Jazz dan rock = perpaduan
Dorongan paling kuat untuk pengembangan jazz adalah daya tarik musisi jazz untuk musik rock, penggunaan ritme dan instrumen listriknya (gitar listrik, gitar bass, keyboard, synthesizer). Perintis di sini lagi adalah Miles Davis, yang diambil oleh Joe Zawinul (Laporan Cuaca), John McLaughlin (Mahavishnu Orchestra), Herbie Hancock (The Headhunters), Chick Corea (Kembali ke Selamanya). Inilah bagaimana jazz-rock, atau fusion, munculdan jazz psikedelik.

Sejarah Musik Jazz Dan Standar Jazz

Sejarah jazz tidak hanya gaya, tren dan pemain jazz terkenal, tetapi juga banyak melodi indah yang hidup dalam banyak versi. Mereka mudah dikenali, bahkan jika mereka tidak ingat atau tidak tahu nama-namanya. Jazz berutang popularitas dan daya tarik kepada komposer yang luar biasa seperti George Gershwin, Irving Berlin, Cole Porter, Hoggy Carmichael, Richard Rogers, Jerome Kernb dan lain-lain. Meskipun mereka menulis musik terutama untuk musikal dan pertunjukan, tema mereka, yang diambil oleh perwakilan jazz, menjadi komposisi jazz terbaik abad ke-20, yang disebut standar jazz.

Summertime, Stardust, Apa Ini Yang Disebut Cinta, My Funny Valentine, All the Things You Are – ini dan banyak topik lainnya diketahui oleh setiap musisi jazz, serta komposisi yang dibuat oleh jazzmen sendiri: Duke Elington, Billy Strayhorn, Dizzy Gillespie , Thelonious Monk, Paul Desmond dan banyak lainnya (Caravan, Night in Tunisia, ‘Round Midnight, Take Five). Ini adalah jazz klasik dan bahasa yang menyatukan para pemain itu sendiri dan penonton jazz.

Sejarah Musik Jazz Kontemporer

Jazz modern adalah pluralisme gaya dan genre dan pencarian konstan untuk kombinasi baru di persimpangan tren dan gaya. Dan pemain jazz modern sering bermain dalam gaya yang berbeda. Jazz menerima pengaruh dari berbagai jenis musik, mulai dari avant-garde akademis dan cerita rakyat hingga hip hop dan pop. Ternyata menjadi jenis musik yang paling fleksibel.

Sebagai pengakuan atas peran global jazz, UNESCO mendeklarasikan pada tahun 2011 sebagai Hari Jazz Internasional, yang diperingati setiap tanggal 30 April.

Sebuah sungai kecil, yang sumbernya berada di New Orleans, dalam waktu lebih dari 100 tahun telah berubah menjadi lautan yang menyapu seluruh dunia. Penulis Amerika Francis Scott Fitzgerald pernah menyebut tahun 20-an. usia jazz. Sekarang kata-kata ini dapat diterapkan pada abad ke-20 secara keseluruhan, karena jazz adalah musik abad ke-20. Sejarah kemunculan dan perkembangan jazz hampir cocok dengan kerangka kronologis abad terakhir. Tapi tentu saja tidak berakhir di situ.

Musik Rakyat Eropa Dan Aksi | Never The Same

April 26, 2022

neinei

musik No Comments

Musik Rakyat Eropa Dan Aksi | Never The Same – Para pekerja pertanian bernyanyi dan berteriak bersama, sebuah lagu tentang elang abu-abu besar: “zapevala soko tica siva!” Sabit mereka menyapu jerami tepat pada waktunya, dan langkah mereka tetap seirama. Meskipun tiga generasi hadir pada Perayaan Panen tahun ini, Musik Rakyat Eropa tidak ada yang ingat dari mana asal lagu lama yang akrab ini, dan tidak ada yang bertanya. Orang-orang tua di kota Serbia ini tidak ingat belajar musik.

Dalam bukunya “Music: A Means of Performing and Listening”, Christopher Small menyatakan bahwa “musik tidak ada”, “Musik bukanlah sesuatu, tetapi suatu aktivitas, sesuatu yang dilakukan orang. “Sesuatu” adalah kata kuncinya di sini: musik ada, tetapi hanya pada saat-saat ketika kita memainkan, mendengarkan, dan mengalaminya, hanya di tempat dan pertemuan yang kita setujui bahwa musik dapat dan harus terjadi. Musik, meskipun musik tertulis, bukanlah objek, itu adalah proses yang tidak pernah terlihat sama dan tergantung pada konteks di mana ia dilakukan. Lagu-lagu yang dinyanyikan oleh sekelompok pekerja ditentukan oleh komposisi dan tempo: tentu saja, masih bisa diperdebatkan apakah banyak dari Harvest dan Googler akan mengenali lagu mereka dalam rekaman atau skor tertulis. Lagi pula, dalam kata-kata kolektor musik rakyat abad ke-19, musik tertulis yang tidak diputar seperti “bunga kering dalam koleksi” indah tapi tak bernyawa dan tak bernyawa. Kita semua terlibat dalam pembuatan musik, berkali-kali, berkontribusi pada kebangkitan musik.

Daftar putar minggu ini didasarkan pada kategori yang tidak ditentukan, Musik Rakyat Eropa. Di sini Anda akan menemukan suara yang familiar dan asing dari seluruh Eropa, termasuk semua instrumen dan tradisi yang disebutkan dalam artikel terlampir: sitar Nordik, nyanyian Yoik Sami, Fujara dan banyak lagi. Musik Seattle Awal:

Musik Rakyat Eropa Tradisional Internasional

Beberapa orang mungkin melihat kurangnya teks tetap ini, bahwa musik ini berasal dari dan melalui tindakan pembuatannya, sebagai simbol dari apa yang kita sebut “musik pop”. Meskipun istilah ini familiar, cukup sulit untuk menentukan siapa orang-orang ini dan apa musik mereka sebenarnya. Dalam pencarian kami, kami dapat beralih ke Dewan Musik Rakyat Internasional, organisasi musik rakyat resmi, yang definisi musik rakyat pada tahun 1954 menempatkannya sebagai “hasil dari tradisi musik yang telah berkembang melalui proses transmisi lisan.” “Transformasi dan kreasi ulang musik adalah milik komunitas yang memberikan karakter kepada masyarakatnya”. IFMC kemudian berganti nama menjadi Dewan Musik Tradisional Internasional, yang dapat memberi kita petunjuk tentang bagaimana definisi musik rakyat diperdebatkan

Konsep Musik Rakyat Eropa

Untuk memberikan definisi istilah yang lebih bernuansa, Grove Music Online mengambil pandangan yang lebih kritis terhadap entri musik folk, yang mencerminkan beratnya dilema:

“Konsep ini telah didefinisikan dan dikembangkan dalam berbagai cara oleh kolektor, cendekiawan, dan profesional di lokasi geografis yang berbeda dan dalam periode sejarah yang berbeda. Banyak digunakan di Eropa dan Amerika Serikat, digunakan secara diam-diam dan terbuka untuk membangun dan menyangkal hubungan dengan identitas. terkait dengan kelas, negara bagian atau ras, dan terus menjadi sumber kontroversi dan perdebatan sengit, berakar pada pertanyaan tentang identitas dan identitas ‘rakyat’, definisi perangkat musik, cara repertoar disebarluaskan, dan evaluasi suara

Meskipun definisi kontekstual yang lebih panjang ini mungkin lebih akurat, definisi ini tidak memberi tahu kita seperti apa istilah umum dari misteri yang dikenal sebagai musik rakyat ini. Jadi, untuk mempersingkat percakapan, kita dapat beralih ke definisi singkat yang dipopulerkan oleh musisi musik folk Amerika pada 1960-an dan 1970-an: “Musik rakyat adalah apa yang dinyanyikan orang.”

Terlepas dari pertanyaan yang tersisa tentang siapa “orang” itu, para pelancong dan cendekiawan abad ke-18 dan 19 yang meletakkan dasar bagi koleksi musik rakyat kami yang luas sekarang tampaknya tahu siapa dan apa yang mereka cari. Sebuah romansa yang canggih dengan waktu dan uang yang cukup untuk menghabiskan beberapa bulan di negara bagian barat Swedia atau pegunungan di utara Hongaria, para calon pelancong ini mungkin menganggap diri mereka menyukai “musik rakyat” yang sesungguhnya. Melalui jurnal dan surat perjalanan, yang ditulis untuk orang kaya yang ingin menjelaskan secara rinci tentang interior dan kehidupan petani yang indah, konsep “desa” menjadi hidup: cerita rakyat, tarian rakyat.kesenian daerah, lagu daerah. Diciptakan oleh Johann Gottfried Herder pada akhir abad ke-18, istilah volkslied sering disebut-sebut sebagai asal mula dari kategori ini, sebuah istilah yang didefinisikan sebagai “komposisi komunal” dan “sebuah ‘martabat’ estetika

Varian Musik Rakyat Eropa Tradisional Internasional

Mengingat idealisasi musik petani ini, tidak mengherankan jika pelancong kelas atas sering menulis dengan sangat antusias tentang pertemuan musik mereka. Misalnya, ada kisah Baron Karl Ehrbert dari Salzburg, yang mendapati dirinya terjebak di sebuah pondok kayu bersama seorang gembala dan istrinya pada hari hujan pada tahun 1784. “Akan sangat menyedihkan menghabiskan malam di perusahaan seperti itu.. .” tulisnya, “jika gembala yang terhormat tidak membuang waktu untuk memamerkan bakat musiknya. Dia membisikkan Allemande pada harpa yahudinya, memainkan minuet cantik atau lagu daerah dengan biolanya, atau memainkan kekasih yang hebat menyanyikan lagu yang memilukan. Namun, turis serupa lainnya hampir tersinggung dengan apa yang mereka dengar, seperti komposer Italia Giuseppe Acerbi. Saat bepergian dengan pemandu Swedia untuk mempelajari Saami dan Finlandia pada tahun 1798, Acerbi “berkali-kali mencoba, menggunakan koin dan roh, untuk membujuk herdelapparna [rusa menggembala Lapps] untuk menafsirkan melodi mereka”. Namun, yang bisa dia lakukan hanyalah “membuat mereka berteriak dengan mengerikan”. Menemukan musik yang jauh dari perkotaan, musik melek huruf dari ruang konser di mana ia menjadi bagian, Acerbi menyimpulkan bahwa pedesaan Finlandia seharusnya “tidak memiliki rasa harmoni” dan bahwa “musik serius” harus “benar-benar dibuang. musik”. daerah terkutuk dan terisolasi”

Meskipun bukan penggemar tradisi menyanyi country Finlandia, Acerbi mungkin sama antusiasnya dengan Baron Eherbert dalam hal musik folk yang lebih instrumental, sering kali lebih dekat dengan konsep urban tentang musik country. Ambil, misalnya, tradisi musik di sekitar langspil Islandia atau rekan-rekan Nordik terkait seperti langeleik Norwegia dan hummel Swedia. Menjadi instrumen string bengkok, yang disebut harpa drone, dapat mengingatkan petualang Italia kami biola dan biola dari negara asal mereka. Saat memainkan nada panjang pada dua senar drone, musisi live memainkan melodi pada senar khusus untuk tujuan ini, menghasilkan harmoni biola yang mungkin terdengar diatonis bagi setiap pelancong Eropa Tengah. Langspil juga dapat dikutip, menghasilkan suara yang tidak berbeda dengan kebanyakan instrumen mengutip yang ditemukan di seluruh Eropa. Instrumen lain dari keluarga ini, khususnya langeleic, dengan tujuh fretnya yang membentuk tangga nada mayor diatonis, mungkin telah memenangkan kekaguman penuh hormat dari Acerbi. Namun, bahkan dalam rentang musik yang lebih luas ini, outlier seperti nykelharpa Swedia, kerabat dari hurdy-gurdy yang menggunakan kunci mekanis untuk mengubah nada senar, mungkin telah membuat Acerbi berhenti.

Tetapi jika Dewan Musik Pop Internasional yang malang membiarkan proses tersebut tidak tersentuh, mengklaim bahwa “menciptakan kembali dan menciptakan kembali musik komunitas memberikan karakter masyarakatnya,” musik rakyat dapat terus berjalan. Fenomena musik baru ini muncul sebagai ekspresi musik rakyat dan berkembang pesat di masyarakat perkotaan dan pedesaan, yang mengarah ke genre baru yang disebut “folk”, yang berakar pada musik country tradisional tetapi telah beradaptasi dengan kafe dan panggung besar kota. Sementara tradisi berorientasi perubahan mungkin tampak paradoks, penerimaan tanpa henti mereka terhadap perubahan dan perubahan ini paling jelas mendefinisikan “musik rakyat” sebagai genre yang sangat tidak pasti. Anda dapat menyanyikan lagu yang sama dari tahun ke tahun, tetapi suara yang dihasilkan tidak diulang dua kali.

Ringkasan Sejarah Musik Klasik Barat Sejarah Abad Pertengahan

April 26, 2022

neinei

musik No Comments

Ringkasan Sejarah Musik Klasik Barat Sejarah Abad Pertengahan – Sejarah musik klasik Barat secara tradisional dipahami sebagai permulaan dengan nyanyian biasa (juga disebut nyanyian “Gregorian”), praktik keagamaan vokal Gereja Katolik Roma. Plainchant ditransmisikan oleh ingatan sampai awal abad ke-9, ketika Kaisar Romawi Suci Charlemagne mengaturnya untuk dinotasikan, dan untuk buku-buku plainchant standar untuk didistribusikan ke gereja-gereja dan biara-biara di seluruh Eropa. Terbatas dalam jangkauan nada dan monofonik (yaitu, terdiri dari melodi tunggal tanpa iringan), plainchant dinyanyikan sebagian besar oleh biarawan, biarawati, dan pendeta daripada oleh penyanyi profesional. Plainchant dinyanyikan di Kantor Ilahi, delapan kebaktian doa harian menggunakan teks-teks Perjanjian Lama, dan dalam Misa, perayaan tengah hari kehidupan dan kematian Yesus Kristus. Alleluia yang direproduksi di sini adalah nyanyian sorak-sorai (“Alleluia” = “Haleluya”), dinyanyikan sebagai bagian dari Misa.

Perbendaharaan utama paling awal dari musik sekuler (non-religius) Barat yang telah sampai kepada kita adalah milik para troubador dan trouver, penyair-musisi Prancis Abad Pertengahan yang mengatur puisi mereka sendiri ke musik. Sebagian besar lagu yang dihasilkan adalah tentang cinta, sering kali merupakan “cinta sopan” fiksi yang diabstraksikan dari karakter pria untuk seorang wanita bangsawan di atas tingkat sosialnya. Karena lagu-lagu troubador dinotasikan sebagai deretan nada sederhana tanpa ritme, ritme dan iringan instrumental pertunjukan modern didasarkan pada dugaan; gambar troubador dalam manuskrip abad pertengahan telah menawarkan petunjuk tentang instrumen apa yang dimainkan. Bernart de Ventadorn (c. 1140-c. 1200) adalah salah satu troubador terbesar. “La douza votz” miliknya, yang ditulis dalam bahasa Provencal yang sekarang sudah punah, membahas tentang penolakan penyanyi itu oleh wanita yang telah lama ia layani.

Abad Ke-13 Musik Klasik Barat

Pada abad ke-13, bagian berirama organum yang ditambahkan kata-kata (seperti bagian di tengah organum Leonin di atas) mulai diperlakukan sebagai karya musik mandiri yang disebut motet (secara harfiah, “berkata”). Segera, tiga bagian motets muncul, dengan teks yang berbeda dinyanyikan di setiap suara. (Kadang-kadang teksnya dalam bahasa yang berbeda!) Komposer mulai digunakan untuk tenor lagu-lagu Prancis sekuler serta bagian-bagian dari plainchant. Salah satu komposer tersebut adalah Guillaume de Machaut (c. 1300-1377), yang tidak hanya seorang musisi yang sangat terkenal tetapi juga seorang penyair yang perawakannya mendekati Chaucer. Motet berikut didasarkan pada tenor sekuler; masing-masing dari tiga suaranya menyanyikan puisi cinta Prancis yang berbeda.

Sejarah Renaisans (Dufay Hingga Praetorius) Musik Klasik Barat

Tradisi motet berlanjut hingga abad ke-15. Guillaume Dufay (c. 1400-1474), komposer paling terkenal pada masanya, menggubah motet besar untuk acara-acara seremonial di awal Renaisans Italia. Nuper rosarum flores memperingati dedikasi katedral Santa Maria del Fiore di Florence pada tahun 1436. Dufay berutang suara yang kaya untuk teknik harmonik yang dibawa dari Inggris oleh John Dunstable sezamannya..

Karya musik vokal termegah dan paling dihargai Renaisans adalah pengaturan polifonik dari Ordinary of the Misa. Ordinary terdiri dari lima teks–Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, dan Agnus Dei (kata-kata pertama dari teks-teks itu)- -yang termasuk dalam setiap Misa, tidak hanya dalam Misa yang merayakan acara-acara khusus. Setiap teks ditetapkan sebagai gerakan terpisah. Seringkali, setiap gerakan dimulai dengan melodi yang sama, dalam hal ini Misa disebut “siklus”; ketika melodi itu diambil dari nyanyian biasa atau dari lagu sekuler, Misa disebut “Misa parodi” (“parodi” berarti tiruan, tetapi bukan untuk humor). Massa paling terkenal dari Josquin des Pres (1440-1521) adalah parodi nyanyian yang dimulai dengan teks “Pangue lingua.” Pada masa Josquin, tenor yang bergerak lambat dari era Abad Pertengahan telah digantikan oleh suara-suara yang lebih rendah yang bergerak secepat suara-suara yang lebih tinggi; rentang vokal yang ditentukan untuk berbagai penyanyi setara dengan sopran, alto, tenor, dan bass kami.

Musik instrumental Renaisans sebagian besar jatuh ke dalam dua kategori: transkripsi musik vokal, dan musik dansa. Gaya tarian yang berbeda berhubungan dengan ritme musik dasar yang berbeda (seperti musik dansa Latin saat ini). Michael Praetorius dari Jerman (1571?-1621) menyusun satu set besar tarian berjudul “Terpsichore,” setelah tarian Muse Yunani. Sekelompok “volt” singkat direproduksi di sini; volte adalah tarian dari Perancis Barat Daya di mana wanita itu melompat tinggi di udara (“volte” = lemari besi). Praetorius tidak memberikan indikasi instrumen apa yang akan digunakan – tariannya dimainkan oleh instrumen apa pun yang tersedia. Di sini, Permaisuri Musik Awal London beralih di antara empat “permaisuri” instrumen yang berbeda, satu per volt, sebelum keempat permaisuri memainkan ujung volt keempat bersama-sama. Permaisuri adalah seperangkat instrumen yang serupa dalam desain dan nada tetapi bervariasi dalam ukuran dan nada.

Sejarah Klasik (Gluck Melalui Beethoven) Musik Klasik Barat

Berkenaan dengan musik Barat, paruh kedua abad ke-18 sering disebut periode “Klasik”; musik periode ini dianggap sangat berbeda dari periode Barok. Namun transisi dari Barok ke Klasik terjadi secara bertahap. Tiga tren tahun-tahun pertengahan abad ke-18 berada di balik transisi ini.

Tren pertama dikenal sebagai Opera Reformasi. Sejumlah komposer bereaksi terhadap apa yang mereka lihat sebagai konvensi kaku opera Barok Italia. Mereka ingin membuat opera Italia lebih alami, lebih ekspresif secara langsung, dengan lebih fokus pada narasi dramatis dan kurang fokus pada memberikan penyanyi solo bagian-bagian ornamen yang rumit dan mencolok. Komposer yang paling sukses adalah Christoph Willibald Gluck (1714-1787). Topik opera Reformasi bukanlah hal baru: opera Gluck Orfeo ed Euridice menceritakan kembali legenda Orpheus, seperti halnya Orfeo terkenal di Monteverdi 150 tahun sebelumnya. Dalam aria “Che fiero momento,” Euridice menyanyikan kegelisahannya karena dibawa pergi oleh Orpheus dari ketenangan dunia bawah.

Tren kedua adalah perubahan gaya musik keyboard solo. Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), putra dari (sekarang) J.S. Bach, tidak menyukai harpsichord tetapi clavichord dan fortepiano, instrumen yang dapat dimainkan lebih keras atau lebih lembut tergantung pada kekuatan yang digunakan untuk menekan tuts. Musik keyboard Bach menggunakan variabilitas dinamis ini untuk menyesuaikan beberapa karakter musik vokal Italia abad ke-18. Gerakan lambat Bach, seperti yang direproduksi di sini, mencontohkan gaya empfindsam (“penuh perasaan”), yang diyakini mengekspresikan gairah yang tertahan dan melankolis.

Musik Populer Jamaika dan Roots Reggae Music

Roots Reggae Music Revolution

Roots Reggae Music Dan Semangat Perlawanan Afrika

Gaya Dan Aksi Musik Jazz

Sejarah Musik Jazz Dan Standar Jazz

Sejarah Musik Jazz Kontemporer

Musik Rakyat Eropa Tradisional Internasional

Konsep Musik Rakyat Eropa

Varian Musik Rakyat Eropa Tradisional Internasional

Abad Ke-13 Musik Klasik Barat

Sejarah Renaisans (Dufay Hingga Praetorius) Musik Klasik Barat

Sejarah Klasik (Gluck Melalui Beethoven) Musik Klasik Barat

Navigation